Michael Haneke, director nacido en Munich, nacionalizado austriaco y flamante ganador de la Palma de Oro en Cannes, con su último largometraje “Das weiße Band” (“La cinta blanca” en español), donde da luces del origen de mal, tema tan recurrente en la filmografía, la agresión constante y la impunidad desoladora. Haneke en esta idea nos ha entregado filmes perturbadores como “Benny's Video” o “Caché” (“Escondido”, titulo en Perú).“Juegos Macabros” titulo dado en español por los distribuidores a “Funny Games U.S., que es el remake de la austriaca “Funny Games” de 1997, caso singular en el cine en donde Haneke diez años después realiza la misma película sin cambiar nada, los planos se repiten tal cual; pero la diferencia en esta versión “estadounidense” del 2007, es el reparto, donde destaca Michael Pitt, como uno de los psicópatas y cuenta también con las figuras: Naomi Watts y Tim Roth, que le dan atractivo, siendo un gancho para el público masivo.
Esto de “Juegos Macabros”, también le da la impresión al público mayoritario, que va a espectar un filme de terror, al estilo “Saw” o “Viernes 13” y todas sus secuelas. Pero ya en sala descubre que se trata de otra cosa, menos espectacular, nada enfático, sin música incidental, alejado de estridencias; es decir un filme al estilo Haneke, es decir una rigurosa puesta en escena, exigente que puede llegar a ser desgastante, cargada de una violencia altamente perturbante que te produce una incertidumbre a medida transcurren los sucesos y te involucran en esta juego que se va convirtiendo en pesadilla que ejerce una fuerza hipnótica que atrapa.
Todo comienza con unas vacaciones de ensueño en la casa del lago, de una familia conformada por papá Georg (Roth), mamá Anna (Watts) y su pequeño hijo Georgie, todo transcurre aparentemente normal, este idílico viaje en la camioneta de familia con bote remolque en plano cenital, jugando a adivinar los autores y interpretes de piezas de música clásica como “Tu qui santuzza” de Mascagni y “Care selve, ombre beate” de Händel, que se ven interrumpidas por el estruendo de “Bonehead” de Naked City música esquizofrénica y ultraviolenta que son un presagio de lo venidero, pero la anomalía, se percibe ya, cuando ven a sus vecinos Fred y Eva actuar extrañamente, y que además están acompañados de dos jóvenes extraños.
Cuando todo aparenta una apacible calma de vacaciones de verano, todo se rompe, con la visita inesperada de uno de estos dos jovencitos, Peter (Brady Corbet) quien va pedir unos huevos de parte de Eva, Anna se siente desconfiada por la presencia de este joven de muy buenos modales, al que se le unirá Paul (Pitt), luego de una serie de sucesos nada casuales y aparentemente inocentes, conllevarán que está familia sea presa de los juegos perversos de estos psicópatas juveniles.Ya con el control de la situación estos juguetones monstruos, realizarán con gran sofisticación y cierta cortesía, participar a la familia en sus sádicos juegos; aquí es donde la performance de Michael Pitt destaca, interpreta la personificación de la crueldad extrema con rostro de inocente “niño bien”, a medida crece la crueldad de estos jueguitos de los cuales sus victimas sólo pueden elegir quien o como va morir, también crece el placer de quienes los inflingen, Paul hace gala de un ironía e insensibilidad que perturba hasta el más indiferente. Haneke no utiliza la violencia explicita como un recurso para enfatizar, ni de la banda sonora para fortalecer la acción dramática, es una violencia fuera de encuadre, la imaginamos, la escuchamos, no tenemos certidumbre de los hechos, los tiempos muertos se dilatan, desesperan, observamos con tensión, como en tiempo real los sucesos y esperamos lo peor, Haneke no da concesiones y cuando parece darlas es arbitrario e ilógico, te sorprende de golpe, es entretenido, educadamente autoritario.
Ya en “Benny's Video” el desamor y la indiferencia en la sociedad actual son feroces, en “Caché” el pasado y saber que uno es vigilado es perturbante, en “La pianiste” las pasiones retorcidas llevadas a situaciones más extremas y escabrosas. Sin bien “Funny Games U.S.” es un thriller, no es sólo eso, es la exposición nuestros temores sociales que se ven reflejados, en estos dos jovencitos que apariencia confiable, es decir no podemos confiar en nadie, que la más aparente la tranquilidad puede ser violentada en cualquier instante.
Ya dijimos anteriormente que la maldad, además de la violencia son temas recurrente en Haneke, pero en “Funny Games U.S.” la mirada distanciada del realizador, tiene un tono más ligero, más cínico, Paul ensaya algunas respuestas porque son tan violentamente malévolos, todas pueden ser posibles o ninguna de ellas, depende la versión que queramos escuchar. Paul nos mira y nos pregunta, ante una apuesta mortal ¿de qué lado estamos? de la víctima o mejor de los victimarios; es finalmente la representación de la violencia en los medios de comunicación.
AUTOR: Emanuel Ramos
Hace muy pocos años recién conocí el cine de Manoel de Oliveira, pero él ya ha vivido muchos años, un siglo de vida y esos años no han sido en vano, me rindo ante su cine, que me atrapa, me interpela, me conmueve, me impresiona más aun que los blockbusters, él está en las antípodas de "Terminator Salvation" de McG (o Joseph McGinty) "Angels and Demons" de Ron Howard, Oliveira se distancia del estruendo y de la ligereza, nos adentra en historias profundas de una puesta en escena austera y exigente. Un film de Oliveira es una experiencia distinta y es enfrentarse a un cine que no es al que se está habituado. Uno sabe por antecedentes quien es Manuel de Oliveira, pero en mi caso en particular es un personaje a continuar descubriendo, este año gracias al Centro Cultural de la PUCP que está celebrando el quinto año de la Filmoteca, ha tenido a bien programar una retrospectiva de este director portugués, que ya supera los 100 años y en los últimos años rueda con mayor continuidad que en sus años mozos; oportunidad también para repasar una vez más su imprescindible filmografía.
El cine de Manoel de Oliveira es enciclopédico en el sentido de abarcar totalidades pero también es específico indagando en sucesos propios de la cultura portuguesa. Talvez una de los aspectos que más me sorprenden por ser de cierto modo del no todo eficientes, es el diseño de producción, bastante austero en sobremanera en la escenas de batallas, en la que se puede advertir un número insuficiente de extras que puede llevarnos a no tomar tan en serio la cinta, pero todo eso queda un plano ulterior con escenas como cuando de pronto irrumpe en medio de la ruma de cadáveres este caballero moribundo que no acepta la derrota ante los moros, con gran dramatismo y contundencia realiza un monologo sobre el “No, terrible palabra” para finalmente suicidarse con su propia espada.
AFP. En el Día Mundial del Medio Ambiente celebrado el 5 de junio se presentó, a nivel mundial, “Home”. La película de Yann Arthus-Bertrand, catalogada por sus productores como “el mayor acontecimiento ecológico de todos los tiempos”, es un documental de alto presupuesto, para salvar el planeta. 
La gran discusión en Cannes alrededor de la pregunta, si tiene que estar una película alemana en la competencia o no, puede ser finalmente contemplado, aún cuando el director Michael Haneke es austriaco y la mitad del financiamiento proviene de Austria, Francia e Italia, Una película alemana como "Das weiße Band" será difícil de dejarse encontrar.
Un pueblo de Alemania del Norte protestante, a víspera de la Primera Guerra Mundial. Ahí se sobrevendrán extraños acontecimientos, a propósito de los cuales “muchas cuestiones se quedan sin respuesta”, nos dice el narrador, un ex maestro de escuela que se ha vuelto viejo. No es necesario contar con el cineasta (y autor de la guión original) para disipar estos enigmas. Los epílogos en descifrado pedagógico a la Hercule Poirot no tienen derecho de ciudadanía en las películas de Michael Haneke, que lo conduce hacia que el espectador haga su propia lectura, sin que ninguna interpretación se le dicte.
"Map of the Sounds of Tokyo" (nombre origina). La vocación internacionalista de la directora española Isabel Coixet, alguien que por exigencias del mercado, por el legítimo deseo de que su cine llegue al público de cualquier parte, o porque las intimistas historias que quiere contar suceden en geografías situadas fuera de España, acostumbra a rodar en inglés. "En Mapa de los sonidos de Tokio" va más lejos y sus cosmopolitas e inevitablemente atormentados personajes se expresan alternativamente en inglés, japonés y catalán.
En esta primera mitad del año se han estrenado en Lima dentro del circuito comercial, dos largometrajes con corazón peruano, “La teta asustada”, de Claudia Llosa y “El premio”, de Alberto Chicho Durant (sin incluir el valioso documental “Lucanamarca” de Héctor Gálvez, que tuvo un fugaz paso por la salas limeñas). El primero de los mencionados, en la primera quincena de marzo y el segundo el último día del mes precedente, ambos tuvieron su pre-estreno en poblaciones apartadas del 'centro' de la capital; en el caso de “La teta asustada” en el distrito de Manchay a las afueras Lima y en de “El premio”, en el poblado interandino de Pariamarca en Canta, en donde, en ambos casos se improvisó una proyección al aire libre y los pobladores tuvieron la oportunidad, en muchos casos de ver por primera vez una película y reconocerse en ella (son zonas de extrema pobreza), viviendo de seguro una experiencia inolvidable y llena de gratitud de parte de los productores cinematográficos. Ambos lugares sirvieron de locación para rodar escenas de dichas películas.
En el caso de Alberto Chicho Durant, no se trata de un director novel, es su sexto largometraje, en su filmografía destacan títulos como “Alias la Gringa”, dicen algunos, un film estimable, criterios que este servidor no comparte, está “Coraje”, un gran error, menos errática “Doble juego”, en algo divertida pero mínima e igual que sus otras obra, de los cuales no vale la pena ni hablar, así y todo se considera a Durant como uno de los cineastas más “representativos” –vaya representatividad de nuestro cine– de una generación liderada por Pancho Lombardi, a fuerza de qué, de rodar películas con cierta periodicidad, debemos suponerlo, algún otro merito no avizoramos (y perdón por la miopía, quizá me ciegue con la estela luminosa, de ese “gran artista” llamado Chicho, con cariño).
Carlos Boyero , El País
Luis Martínez, El Mundo
Carlos Boyero, 
